DSpace Collection:

Deserto tattile

2026-07-07T10:23:00Z

Title: Deserto tattile Summary: Tras su estreno en Oriente Occidente, el Festival de Danza Contemporánea de Rovereto (Italia), el coreógrafo Nicola Galli presenta Deserto tattile el segundo episodio de su investigación coreográfica en torno al desierto y la noción de paisaje.

A partir del primer episodio titulado Deserto digitale (2018), la visión imaginativa del desierto vuelve a tomar forma en el deseo renovado de investigar las características de la sociedad contemporánea y el reflejo de la actividad humana en el mundo: una creciente soledad social, una velocidad antrópica y la "evaporación" de los conceptos de distancia y límite.; Rovereteko Dantza Garaikideko Oriente Occidente Jaialdian (Italia) estreinatu ondoren, Nicola Galli koreografoak Deserto tattile aurkezten du, basamortuari eta paisaiaren ideiari buruzko bere ikerketa koreografikoaren bigarren atala.

Deserto digitale (2018) izena zuen lehen atalak, eta, hartan bezala, oraingoan ere, gizarte garaikidearen ezaugarriak eta giza jarduerak munduan duen isla ikertzeko irrika berritu batean gorpuzten da basamortuaren ikuspegi irudizkoa: gizarte-bakardade gero eta handiagoa, abiadura antropikoa eta distantzia eta muga kontzeptuen “lurruntzea” ikertzeko irrikan. Description: La poética del coreógrafo -dedicada a la ausencia de jerarquías entre los lenguajes y elementos que componen la escena- une y condensa gesto, luz y sonido en una relación orgánica e interdependiente para generar un archivo figurativo que narra el desierto como un espacio físico deshabitado, un paisaje del cuerpo y una condición existencial interior.

El abismo de los lugares del mundo y la profundidad del alma humana toman forma en el escenario, atravesado por figuras viajeras opacas y silenciosas que invitan a nuestra mirada a contemplar imágenes táctiles y musculares y a perderse en múltiples perspectivas que aparecen y se disuelven en un magma de sonido capaz de suspender la cadencia de la vida cotidiana hasta el punto de desentrañar la percepción del espacio-tiempo.

Azkuna Zentroa presenta el trabajo de Nicola Galli en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición.

Ficha artística:

Concepto, dirección y coreografía: Nicola Galli
Danza: Nicola Galli, Giulio Petrucci
Luz: Lucía Ferrero
Dramaturga: Giulia Melandri
Producción: TIR Danza, Nebulosa
Coproducción: Oriente Occidente
Residencias artísticas: TROIS C-L Centre Chorégraphique, Oriente Occidente, PIM Off
Con el apoyo de: Network Grand Luxe, Orbita | Spellbound Centro Nazionale di Produzione della Danza; Koreografoaren poetikak –eszena osatzen duten hizkuntzen eta elementuen arteko hierarkiarik ezean oinarritua– keinua, argia eta soinua uztartzen eta trinkotzen ditu erlazio organiko eta elkarreraginezko batean, artxibo figuratibo bat sortzeko, non deskribatzen baita basamortua espazio fisiko huts gisa, gorputzaren paisaia gisa eta barne-egoera existentzial gisa.

Munduko tokien amildegiak eta giza arimaren sakontasunak forma hartzen dute eszenatokian, irudi bidaiari opaku isilek zeharkatzen dutela eszena, gure begiradari gonbita eginez irudi ukigarri eta muskularrak ikustera eta ezin konta ahala perspektibatan galtzera, eguneroko bizitzaren kadentzia soinu-magma batean agertuz eta desagertuz, espazio-denboraren pertzepzioa galarazteraino.

Azkuna Zentroak Nicola Galli-aren lana aurkezten du Dantzaldian, La Fundición-en Nazioarteko Dantza Jaialdian.

Fitxa artistikoa:

Kontzeptua, zuzendaritza eta koreografia: Nicola Galli
Dantza: Nicola Galli, Giulio Petrucci
Argia: Lucía Ferrero
Dramaturgoa: Giulia Melandri
Produkzioa: TIR Danza, Nebulosa
Koprodukzioa: Oriente Occidente
Egonaldi artistikoak: TROIS C-L Centre Chorégraphique, Oriente Occidente, PIM Of
Laguntzaileak: Network Grand Luxe, Orbita | Spellbound Centro Nazionale di Produzione della Danza

Luz sobre las cosas

2026-06-23T10:49:39Z

Title: Luz sobre las cosas Summary: El coreógrafo, bailarín y actor Guillermo Weickert presenta en el Auditorio Luz sobre las cosas, su nueva creación escénica.

Una propuesta abierta, que renuncia a esquemas argumentales y reducciones racionales, situándose en una zona onírico-fantástica que posibilita su libertad formal.

Esta pieza de danza es, según su creador, una experiencia sobre aquello que le mueve y le conmueve, sobre su propio lenguaje escénico en relación con su búsqueda intuitiva de esas atmósferas que comunican como un destello, que apelan antes a los sentidos que a la razón, que muestran la “belleza” como el movimiento emocional que se genera en el ánimo de las personas espectadoras.; Guillermo Weickert koreografo, dantzari eta antzezleak Luz sobre las cosas sorkuntza eszeniko berria aurkezten du Auditorioan.

Argumentu-eskema eta murriztapen arrazional orori uko eginez sortutako proposamen ireki bat da, askatasun formala ahalbidetzen duen eremu oniriko-fantastiko batean kokatua.

Dantzako pieza hau sortzailea mugitzen eta hunkitzen duen horri buruzko esperientzia bat da, haren hizkuntza eszenikoari buruzko esperientzia bat, sortzaileak berak azaldutakoaren arabera; eta atmosfera bereziak bilatzeko senari erantzuten dio: atmosfera batzuk zeinak komunikatzen baitute distira baten modura, arrazoiari baino gehiago hel egiten baitiete zentzuei, “edertasuna” erakusten baitute ikusleen gogoan sortzen den mugimendu emozional gisa.; Choreographer, dancer and actor Guillermo Weickert is presenting his new stage creation Luz sobre las cosas at the Auditorium.

An open suggestion, which waives plot outlines and rational reductions; to set itself within an oneiric fantasy area enabling its formal freedom.

According to its creator this dance piece is an experiment on that which moves and stirs emotionally, regarding its own stage language in relation to its intuitive search for these atmospheres that sparkle to communicate, appealing first to the senses before reason, exhibiting “beauty” as an emotional movement arousing in the audience’s mood. Description: In Luz sobre las cosas there is no map or plot outline to hang onto for the exploration we’ve been called to attend, but rather we delve into the darkness of the stage box like children tiptoeing down into a gloomy basement in search of unknown adventures. That’s where we attend the creation ritual. All the artists taking part and accompanying us can make it out to be emptiness, darkness and silence, whereby something new can be created and manifested. Thus everyone will be free to decide whether to kneel before the thing that appears.

ARTISTIC INFORMATION SHEET:

Idea, direction, choreography: Guillermo Weickert
Musical composition & sound space: Miguel Marín ‘Árbol’
Performers: Luna Sánchez, Alberto Lucena, Guillermo Weickert
Live music: Miguel Marín ‘Árbol’
Lighting designer: Benito Jiménez
Stage space: José María Sánchez Rey
Sound space, immersive sound & live sound design: Manu Meñaca
Costume design: Victoriano Simón
Leatherwork: Almogaverwork
Rehearsal assistance: Noemí Álvarez Alonso
Mavens: José María Sánchez Rey, María Cabeza de Vaca, Patricia Buffuna
Production direction: El Mandaito Producciones S.L.
Graphic design: Lugadero
Photography: Marta Morera, Maite Caramés & Juan Carlos Toledo
This is an El Mandaito Producciones S.L. & WWWEICKERT production
A co-production of Mercat de les Flors in collaboration with the Andalusian Autonomous Assembly; En Luz sobre las cosas no hay mapa ni hilo argumental del que asirnos para la exploración a la que se nos convoca: sumergimos en la oscuridad de la caja escénica como niños y niñas que bajan a un sótano tenebroso en busca de aventuras desconocidas. Ahí asistimos al ritual de la creación. Todo lo que las y los artistas que lo ofician y nos acompañan pueden hacer es crear el vacío, la oscuridad y el silencio, para que algo nuevo pueda gestarse y manifestarse. Cada cual decidirá entonces si postrarse o no ante aquello que aparece.

FICHA ARTÍSTICA:

Idea, dirección, coreografía: Guillermo Weickert
Composición musical y espacio sonoro: Miguel Marín ‘Árbol’
Intérpretes: Luna Sánchez, Alberto Lucena, Guillermo Weickert
Música en vivo: Miguel Marín ‘Árbol’
Diseñador de Iluminación: Benito Jiménez
Espacio escénico: José María Sánchez Rey
Diseño de espacio sonoro y sonido inmersivo y sonido directo: Manu Meñaca
Diseño de vestuario: Victoriano Simón
Guarnicionería: Almogaverwork
Asistencia ensayos: Noemí Álvarez Alonso
Mavens: José María Sánchez Rey, María Cabeza de Vaca, Patricia Buffuna
Dirección de producción: El Mandaito Producciones S.L.
Diseño gráfico: Lugadero
Fotografía: Marta Morera, Maite Caramés y Juan Carlos Toledo
Es una producción de El Mandaito Producciones S.L. y WWWEICKERT
Una coproducción de Mercat de les Flors en colaboración con Junta de Andalucía; Luz sobre las cosas lanean ikerketara dei egiten zaigu, baina ez zaigu ematen ez maparik ez argumentu-haririk: kutxa eszenikoaren iluntasunean murgiltzen gara, abentura ezezagunen bila soto ilun batera jaisten diren haurrak bezalaxe. Eta hor ikusten dugu sorkuntzaren errituala. Horretan diharduten eta gurekin dauden artistek egin dezaketen gauza bakarra da hutsa, iluntasuna eta isiltasuna sortzea, zerbait berria sortu eta agertu dadin. Orduan, bakoitzak erabakiko du agertzen den horren aurrean makurtu ala ez.

FITXA ARTISTIKOA:

Ideia, zuzendaritza, koreografia: Guillermo Weickert
Konposizio musikala eta soinu-espazioa: Miguel Marín ‘Árbol’
Interpreteak: Luna Sánchez, Alberto Lucena, Guillermo Weickert
Zuzeneko musika: Miguel Marín ‘Árbol’
Argiztapenaren diseinua: Benito Jiménez
Espazio eszenikoa: José María Sánchez Rey
Soinu-espazioaren diseinua eta murgiltze-soinua eta zuzeneko soinua: Manu Meñaca
Jantzien diseinua: Victoriano Simón
Larrukiak: Almogaverwork
Entseguetako laguntza: Noemí Álvarez Alonso
Mavens: José María Sánchez Rey, María Cabeza de Vaca, Patricia Buffuna
Ekoizpen zuzendaritza: El Mandaito Producciones S.L.
Diseinu grafikoa: Lugadero
Argazkia: Marta Morera, Maite Caramés eta Juan Carlos Toledo
Produkzioa: El Mandaito Producciones S.L. eta WWWEICKERT
Koprodukzioa: Mercat de les Flors, Junta de Andalucíarekin lankidetzan

Tiempo como cuerpo - Time is a Muscle

2026-06-23T08:26:53Z

Title: Tiempo como cuerpo - Time is a Muscle Summary: Tiempo como cuerpo es el proyecto coreográfico de Olatz de Andrés que investiga sobre maneras de transformar nuestra percepción y experiencia del tiempo a través del movimiento como acción en vivo y la escritura, el dibujo y lo audiovisual, como registro. «Es un intento de aprehender lo efímero de la danza y lo efímero del tiempo», señala la coreógrafa.

El proyecto se activa en octubre con el estreno de Time is a Muscle, la pieza-experiencia duracional de danza en la que Olatz de Andrés invita al público a percibir la presencia del tiempo como si fuera un cuerpo más en el espacio. Junto con ello, en Lantegia 1 se muestran algunos materiales de sus procesos de investigación y creación con el vídeo, la escritura, el dibujo y la fotografía como registro de lo efímero en la exposición Time is a muscle.

Olatz de Andrés desarrolla parte de este proceso múltiple de investigación como Artista Asociada a Azkuna Zentroa en 2024 y 2025.; Tiempo como cuerpo Olatz de Andrésen proiektu koreografikoak denboraz dugun pertzepzioa eta esperientzia eraldatzeko moduak ikertzen ditu, batetik mugimenduaren bidez, ekintza-bizi gisa, eta bestetik, idazketaren, marrazketaren eta ikus-entzunezkoen bidez, erregistro-gisa. «Dantzaren iragankortasuna eta denboraren iragankortasuna atxikitzeko saiakera da», koreografoak berak azaldu bezala.

Proiektua urrian jarriko da abian, Time is a Muscle dantzako pieza-esperientzia iraunkorrarekin. Pieza horretan, Olatz de Andrések publikoari gonbita egiten dio denboraren presentzia hauteman dezan espazioan dagoen beste gorputz bat balitz bezala. Horrekin batera, Lantegia 1en, ikusgai egongo dira artistak bideoa, idazketa, marrazkia eta argazkia iragankorra denaren erregistro gisa baliatuz garatutako ikerketa- eta sorkuntza-prozesuen material batzuk.

Olatz de Andrés Azkuna Zentroaren artista kide gisa gauzatzen ari da ikerketa-prozesu askotariko honen parte bat 2024an eta 2025ean.; Olatz de Andrés’ choreographic project Tiempo como cuerpo researches into the ways our perception and experience of time can be transformed through movement like live action and writing, drawing and audiovisual as a register. The choreographer points out “It’s an attempt to learn how ephemeral dance and time are”.

The project will be activated in October with the premiere of Time is a Muscle, a durational experience piece where Olatz de Andrés invites the audience to perceive the presence of time as if it were another body in the space. In addition, there is an exhibition of some of her research and creation process materials plus video, writing, drawing and photography as a register of the ephemeral in Lantegia 1.

Olatz de Andrés is developing part of this multiple research process as an Azkuna Zentroa Associated Artist in 2024 and 2025. Description:

Tiempo como cuerpo es múltiple

Una tesina en 2020, "Time as a Body in Choreography"
Un proceso de investigación en 2021, "Hacer Tiempo"
Otro proceso de investigación en 2022, "Entre 26 y 62 Artean"
Una pieza-experiencia duracional en 2024, "Time is a Muscle"
Una exposición de todo el proceso hasta hoy 2024
Un estudio y sesiones sobre el tiempo de Azkuna Zentroa en 2025
Una publicación en 2025

Time is a Muscle -pieza-experiencia duracional- es una frase de Julyen Hamilton que se refiere a la realidad de que el tiempo puede llegar a sentirse como si fuera un músculo, como parte de nuestro cuerpo.

Te invitamos a percibirlo y habitarlo a través de nuestros cuerpos y otros lenguajes. Una experiencia duracional que atravesamos juntas en la que puedes observar cómo tonificamos, estiramos y relajamos el tiempo, cómo hacemos y deshacemos tiempo. En ella puedes pararte, pasearte, irte y volver, tomar tus propias decisiones temporales y espaciales.

El cuerpo dibuja, la coreografía escribe, el dibujo se mueve y el sonido se ve.

FICHA ARTÍSTICA:

Idea, dirección y creación: Olatz de Andrés
Creación e interpretación: Pilar Andrés, Iñigo Rementería, Oihana Vesga
Interpretación y participación: bailarines cursando el módulo TIM de Mutis espazioa
Asistente de dirección, espacio escénico e iluminación: Dani Hernández
Dibujo, fantasía y sensibilidad conceptual: Ixiar García
Espacio sonoro: Mikel R. Nieto
Fotografía y vídeo: Etanowski
Cómplice: Robert Jackson
Producción y distribución: Vanessa Fuentes
Con el apoyo de: Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y las ayudas a Producción del Gobierno Vasco
;

Tiempo como cuerpo
askotarikoa da

Tesina bat 2020an, “Time as a Body in Choreography”
Ikerketa-prozesu bat 2021ean, “Hacer Tiempo”
Beste ikerketa-prozesu bat 2022an, “Entre 26 y 62 Artean”
Pieza-esperientzia iraunkorra 2024an, “Time is a Muscle”
Gaur arteko prozesu osoari buruzko erakusketa 2024an
Azkuna Zentroko denborari buruzko ikerlana eta saioak 2025ean
Argitalpen bat 2025ean

Time is a Muscle -pieza-esperientzia iraunkorra- Julyen Hamiltonen esaldi bat da, eta erreferentzia egiten dio denbora giharra balitz bezala, gure gorputzaren parte balitz bezala, sentitzeko errealitateari.

Denbora gure gorputzen eta beste hizkuntza batzuen bidez hautemateko eta bizitzeko gonbita egiten dizugu. Esperientzia iraunkor bat, elkarrekin zeharkatuko duguna, non ikusi ahal izango baituzu nola tonifikatzen, luzatzen eta erlaxatzen dugun denbora, nola egiten eta desegiten dugun denbora. Esperientzia honetan gelditu egin zaitezke, paseatu, joan eta itzuli, eta denborari eta espazioari buruzko zure erabakiak hartu.

Gorputzak marraztu egiten du, koreografiak idatzi; marrazkia mugitu egiten da, eta soinua ikusi.

FITXA ARTISTIKOA:

Ideia, zuzendaritza eta sorkuntza: Olatz de Andrés
Sorkuntza eta interpretazioa: Pilar Andrés, Iñigo Rementería, Oihana Vesga
Interpretazioa eta partaidetza: bailarines cursando el módulo TIM de Mutis espazioa
Zuzendaritza-, espazio eszeniko- eta argiztapen-laguntzailea: Dani Hernández
Marrazkia, fantasia eta sentsibilitate kontzeptuala: Ixiar García
Soinu-espazioa: Mikel R. Nieto
Argazkia eta bideoa: Etanowski
Konplizea: Robert Jackson
Ekoizpena eta banaketa: Vanessa Fuentes
Babeslea: Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y las ayudas a Producción del Gobierno Vasco;

Time as a body
it’s multiple

A thesis in 2020, “Time as a Body in Choreography”
A research process in 2021, “Hacer Tiempo”
Another research process in 2022, “Entre 26 y 62 Artean”
A durational experience piece in 2024, “Time is a Muscle”
An exhibition of the entire process until now 2024
A study and sessions about the time at Azkuna Zentroa in 2025
A publication in 2025

Time is a Muscle -a durational experience piece- is a July expression in Hamilton referring to the reality that time may be felt as if it were a muscle, i.e. as a part of our body.

We invite you to perceive and inhabit it through our bodies and other languages, i.e. a durational experience we cross together where you can observe how we tone, stretch and relax time, likewise how we make and do away with time. You can stop, stroll, go and return to it making your own time and spatial decisions.

The body draws, choreography writes, a drawing moves and sound is seen.

ARTISTIC INFORMATION SHEET:

Idea, direction & creation: Olatz de Andrés
Creation & interpretation: Pilar Andrés, Iñigo Rementería, Oihana Vesga
Interpretation & participation: dancers doing the Mutis espazioa TIM module
Direction, stage space & lighting assistant: Dani Hernández
Drawing, fantasy & conceptual sensitivity: Ixiar García
Sound space: Mikel R. Nieto
Photography & video: Etanowski
Accomplice: Robert Jackson
Production & distribution: Vanessa Fuentes
Sponsored by: Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao & Basque Government Production funds

Trabajos forzados

2025-11-19T11:00:08Z

Title: Trabajos forzados Summary: La compañía Ça Marche presenta Trabajos forzados, proyecto escénico en el que ha trabajado como Artistas Asociad@s a Azkuna Zentroa.

Trabajos forzados es una experiencia escénica que habla sobre la lengua y la comunicación; en ella, la performer sorda Pepita Cedillo narra historias en Lengua de Signos Catalana (LSC), acompañada por un intérprete en LSC que no solo traduce, sino que se convierte en parte activa de la pieza. Una propuesta inmersiva que invita tanto a personas sordas como oyentes a sumergirse en una experiencia única.
A través de esta obra, Ça Marche propone una reflexión sobre cómo la civilización occidental ha priorizado la oralidad, imponiéndola como la forma dominante de comunicación, y plantea una exploración sobre la experiencia de quienes se ven forzadas/os a relacionarse de manera distinta con el habla.
Dice Oliver Sacks que “los usuarios de un lenguaje tienden a un realismo ingenuo, porque suelen ver su lengua como un reflejo de la realidad y no como una construcción”. "A menudo, llamamos hablantes a los que usan la voz, como si la posibilidad del habla solo fuera una y la lengua de signos no lo fuera por ser una lengua sorda", reflexionan desde la compañía.
Enmarcada en Prototipoak Bilbao, la Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas de Azkuna Zentroa esta obra de teatro no convencional propone al público un viaje alejado "de lo paternalista, lo pedagógico y lo pornográfico" para acceder no solo a otra forma de comunicación, sino también a otra forma de sensibilidad, "a una manera de estar más corporal".
Como es habitual, Ça Marche involucra en este trabajo a intérpretes no profesionales, en este caso de la comunidad sorda, que ponen énfasis en el cuerpo concreto, lejos de la convención y la tradición física, que priorizan voz y movimiento estandarizados.
Además, durante todo el proceso, la compañía ha entablado relación con asociaciones de personas sordas, instituciones y compañías que han desarrollado reflexiones y trabajos en torno a la accesibilidad, con el objetivo de poder desarrollar, en el marco de "Trabajos forzados", espacios, proyectos o contextos con la comunidad sorda "que puedan ensanchar todo lo posible la experiencia y su huella futura". En concreto, han trabajado con alumnado sordo del IES Bertendona a través de distintas sesiones de talleres.
Al finalizar el estreno tendrá lugar un encuentro en el que la compañía compartirá con el público el proceso desarrollado para la creación de esta obra de teatro.; Ça Marche konpainiak Trabajos forzados aurkeztuko du, Azkuna Zentroko artista AZkide gisa landu duen proiektu eszenikoa.

Trabajos forzados hizkuntza eta komunikazioa aztertzen dituen esperientzia eszeniko bat da. Pepita Cedillo performer gorrak istorioak kontatzen ditu zeinu-hizkuntza katalanean, eta hizkuntza bereko interpretatzaile batek, itzulpena egiteaz gain, era aktiboan parte hartzen du piezan. Proposamen honek esperientzia paregabe batean murgildu nahi ditu hala pertsona gorrak, nola gainerako entzuleak.
Obra honen bidez, Ça Marchek gogoeta bat egin nahi du mendebaldeko zibilizazioak ahozkotasuna lehenesteko izan duen moduaz, komunikatzeko era nagusi gisa ezarriz, eta azterketa bat planteatzen du hizketarekin modu desberdinean erlazionatu behar dutenen esperientziari buruz.
Oliver Sacksek dioenez, “hizkuntza baten erabiltzaileek errealismo inozo batera jotzen dute, beren hizkuntza errealitatearen isla gisa ikusten dutelako, eta ez eraikuntza gisa”. “Sarritan, ahotsa erabiltzen dutenei hiztun deitzen diegu, mintzatzeko aukera bakarra balitz bezala, eta zeinu-hizkuntza hori ez balitz bezala, gorra izateagatik”, hausnartu dute konpainiakoek.
Prototipoak Bilbaon, Azkuna Zentroaren Forma Artistiko Berrien Nazioarteko Biurtekoan, kokatutako antzezlan ez-konbentzional honek bidaia bat proposatzen dio publikoari, “paternalista, pedagogiko eta pornografiko den horretatik” urrun, beste komunikazio-modu batera eta, orobat, beste sentsibilitate-modu batera iristeko, “gorputzarekin gehiago egoteko modu batera”.
Ohikoa denez, Ça Marchek profesionalak ez diren interpreteak sartu ditu lanean, kasu honetan gorrak. Horiek gorputz zehatza nabarmentzen dute, konbentzio eta tradizio fisikotik urrun, horiek lehentasuna ematen baitiete ahotsa eta mugimendu estandarizatuei.
Gainera, prozesu osoan, konpainiak harremanak izan ditu pertsona gorren elkarteekin, erakundeekin eta irisgarritasunaren inguruko hausnarketak eta lanak egin dituzten konpainiekin, Trabajos forzados piezaren esparruan, gorren komunitatearekin espazioak, proiektuak eta testuinguruak garatu ahal izateko, “esperientzia eta beren etorkizuneko aztarna ahalik eta gehien zabaltzeko”.
Estreinaldia amaitzean, topaketa bat egingo da, non konpainiak publikoarekin partekatuko baitu antzezlan hau sortzeko garatutako prozesua.; The company Ça Marche is presenting Trabajos forzados, a stage project which they have worked on as Azkuna Zentroa Associated Artists.

Trabajos forzados is a stage experience that talks about language and communication. Deaf performer Pepita Cedillo tells stories in Catalan Sign Language (CSL), accompanied by a CSL interpreter, who not only translates but also becomes an active part in this work. It is an immersive experience that invites both the deaf and hearing communities to participate in this singular experience.
In this work, Ça Marche proposes a reflection on how Western civilisation has prioritised orality, imposing it as the dominant form of communication, and seeks to explore the experience of those who are forced to relate to speech in a different way.
Oliver Sacks says that “language users tend to have a naïve realism, because they tend to see their language as a reflection of reality and not as a construction.” According to the creators, “We often refer to those who use voice as speakers, as though there is only one possible form of speech which does not include sign language because it is the language of the deaf”.
As part of Prototipoak Bilbao, the International Biennial of New Artistic Forms at Azkuna Zentroa, this unconventional theatre performance takes the audience on a journey away from “the paternalistic, the pedagogical and the pornographic” to access not only another form of communication but also another form of sensitivity, “a more corporal way of being”.
As usual, Ça Marche involves non-professional performers in this work, in this case from the deaf community, who put more emphasis on the specific body, far from convention and physical tradition, which prioritise standardised voice and movement.
Throughout the process, the company has established relationships with numerous deaf people associations, institutions and companies that are doing their own work and developing reflections on accessibility. The aim is to use Trabajos forzados as an opportunity to develop spaces, projects or contexts involving the deaf community “that can broaden the experience and its future footprint as much as possible”.
Following the premiere, a meeting will take place in which the company will share with the audience the process involved in creating this play. Description: Todo empezó con una pregunta a raíz de pensar sobre grandes personajes que a lo largo de la historia eligieron el silencio, no hablar más, no escribir más, no actuar más, no ser más: Empédocles, Kafka, Hölderlin, Beckett, Rimbaud… La pregunta surge cuando se piensa no en el silencio elegido, sino en el impuesto: qué pasa ahí. El proyecto involucra a la comunidad Sorda de Barcelona, quienes participan activamente en el proceso creativo.
"Trabajos forzados" invita a la persona espectadora a un viaje sensorial, cuestionando la imposición de la oralidad en nuestra civilización y cómo el lenguaje se inscribe en nuestros cuerpos. Más que un espectáculo teatral convencional, la pieza propone una reflexión profunda sobre la accesibilidad y el entendimiento de otras formas de comunicación, lejos de lo paternalista y lo pedagógico.; Dena hasi zen galdera batekin, gogoeta egin ondoren historian barrena isiltasuna aukeratu zuten pertsonaia handiei buruz, alegia, ez hitz egitea, gehiago ez idaztea, gehiago ez antzeztea, gehiago ez izatea: Enpedoklesek, Kafkak, Hölderlinek, Beckettek, Rimbaudek… Galdera agertzen da gogoeta egitean ez aukeratutako isiltasunaz, baizik eta ezarritako isiltasunaz: zer gertatzen den hor. Proiektuak Bartzelonako gorren komunitatea inplikatu du, eta horiek aktiboki parte hartzen dute sormen-prozesuan.
Trabajos forzados piezak gonbit egiten dio ikusleari bidaia sentsorial bat egitera, zalantzan jarriz gure zibilizazioan inposatutako ahozkotasuna eta hizkuntza gure gorputzetan nola txertatzen den. Ohiko antzerki-ikuskizun bat baino gehiago, beste komunikazio-modu batzuen eskuragarritasunari eta ulermenari buruzko hausnarketa sakona proposatzen du piezak, paternalismotik eta pedagogikotik urrun.; It all started with a question that came about from thinking about great figures throughout history who chose silence, not to speak anymore, not to write anymore, not to act anymore, not to be anymore: Empedocles, Kafka, Hölderlin, Beckett, Rimbaud, etc. The question arises when one thinks not about elective silence, but about imposed silence and what happens there. The project involves the deaf community of Barcelona, who actively participate in the creative process.
Trabajos forzados invites the spectator to go on a sensory journey, questioning the imposition of orality in our civilisation and how language is inscribed in our bodies. More than a conventional theatrical performance, the piece proposes a profound reflection on the accessibility and understanding of other forms of communication, far from the paternalistic and pedagogical.